TUTORIAL ENTENDER LA LUZ - UNA INTRODUCCIÓN A LA ILUMINACION

Cristiano

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ENTENDER LA LUZ - UNA INTRODUCCIÓN

Este artículo pretende observar cómo nosotros, como fotógrafos, "entendemos" la luz. Puede parecer obvio para muchos de ustedes, pero para una gran mayoría de nosotros, simplemente no es tan fácil. Pero, ¿qué significa realmente entender la luz? ¿Realmente necesitamos entender la luz para tomar excelentes fotos? La respuesta simple es no…. Pero te garantizo que te ayudará.

UNA GENERACIÓN AUTODIDACTA.
Muchos de nosotros hemos optado por una gran inversión en nuestra pasión por la fotografía. Algunos de nosotros queremos que nuestra pasión sea una carrera o forma de vida y algunos de nosotros simplemente estamos más que felices al crear fotografías hermosas. Sean cuales sean las intenciones o aspiraciones, nosotros, como fotógrafos, somos muy afortunados de tener esa opción.

Después de todo, hay muy pocos cirujanos o abogados aficionados. Tienen que someterse a muchos años antes de que puedan siquiera pensar en ganarse la vida con ello.
Pero nosotros, como fotógrafos, no necesitamos hacer eso. De hecho, hay un gran número de fotógrafos profesionales muy exitosos que trabajan hoy en día que nunca fueron enseñados directamente por sus compañeros más experimentados. Nunca siguieron una educación superior en fotografía y en su lugar optaron por enseñarse ellos mismos el oficio. Pero una vez más, tenemos mucha suerte de que incluso es posible hacer esto.
Como dije, probablemente sea mucho más difícil aprender a ser cirujano en YouTube.
También creo que este enfoque autodidacta se está volviendo cada vez más popular ahora, dado que la educación superior es tan prohibitivamente costosa. Pero, ¿cómo es ser autodidacta? Por donde empiezas

¿CÓMO ES UNA EDUCACIÓN ARTÍSTICA AUTODIDACTA?

PASO 1.
Tan pronto como conseguimos nuestra primera cámara, nuestro primer paso a menudo nos ve fotografiando cualquier cosa y todo lo que se cruce en nuestro camino.
Mire el nuevo portafolio de fotógrafos y verá que contiene fotos de paisajes, retratos, cuadros de flores, bodegones, animales ... y la lista continúa.
Por ejemplo, hace 25 años comencé a fotografiar paisajes en blanco y negro, antes de graduarme para explorar la naturaleza muerta "artística" en blanco y negro. Vea mi portafolio hoy en comparación y verá que lleva mucho tiempo descubrir lo que cualquiera de nosotros realmente quiere fotografiar.

PASO 2. ENFÓCATE
Entonces, después de haber fotografiado todo lo que fue tan tonto como para ponernos frente a nuestra lente, gradualmente comenzaremos a sentirnos atraídos por un aspecto particular que nos emociona. Eso podría ser retratos, paisajes, realmente cualquier cosa. El punto es que lentamente comenzaremos a ver más enfoque en nuestro trabajo.
Para mí, continuamente me atraía fotografiar personas mientras disfrutaba de la interacción y la espontaneidad de trabajar con los sujetos. Además, casi siempre prefería tomar el control de la luz a través de la iluminación de estudio.
A principios de la década de 2000 y como una cámara de alquiler, filmé todo, desde tomas de cabeza corporativas, retratos, competiciones y campañas de peluquería e incluso alguna boda ocasional desde el principio.


PASO 3. INSPIRARSE
Una vez que hemos adquirido bastante confianza con nuestro oficio actual, muy a menudo empezamos a ver el trabajo de otros artistas en nuestro campo.
Miramos su trabajo y sabemos que nos gusta. Tal vez los sigamos en las redes sociales y, ocasionalmente, podemos ver una imagen de ellos que amamos de forma absoluta y deseamos haberla tomado.
En esta etapa, realmente no sabemos cómo tomaron esa imagen porque como fotógrafo autodidacta aún no tenemos las habilidades para entenderla completamente, pero nos gustaría poder recrearla.



Las imágenes de arriba son de los fotógrafos Bruno Dayan, Nick Knight y Nadav Kander.

Cuando comencé a darme cuenta de que era probable que el montañismo me matara en poco tiempo, empecé a volver al mundo de la fotografía. Pero aunque recordaba que era difícil ganar dinero con la fotografía, tenía que ser más fácil que tratar de que me pagaran para escalar colinas realmente grandes.
En aquel entonces (y hasta el día de hoy) el trabajo de fotógrafos como Bruno Dayan, Nick Knight y Nadav Kander me inspiraron mucho. Su pasión por crear imágenes impresionantes y visuales llamativas es lo que finalmente me hizo querer comenzar a disparar de nuevo, sin importar si hice una carrera exitosa o no.
Vi sus imágenes y quería tomar fotos así. El color y el interés que estaban creando en ese momento eran increíbles y, sin duda, estaban muy lejos de las imágenes de moda de alto perfil estancadas que habían reinado durante tanto tiempo.

PASO 4. INSPIRACIÓN EVOLUTIVA
Una gran manera de aprender cómo se tomó una imagen, es copiarla. Pero detente por un momento y piensa por qué lo estás copiando. Una razón puede ser porque simplemente quieres esa foto en tu cartera. Otra razón (y probablemente la verdadera razón), es porque quieres saber cómo se tomó esa imagen.
Si miras una foto y no sabes cómo se creó una imagen, a menudo saltas con ambos pies e intentas recrear los elementos básicos. Podrías pensar que 'podría hacer que una modelo se pare así y podría usar algunas luces de colores para encenderla'. Y fuera vas a recrear / copiar la imagen.
Ahora creo que todos ustedes saben cómo resulta eso. En esta etapa, no tiene idea de qué modificadores se usaron, ni siquiera puede estar seguro de cuántas luces se usaron y eso sin mencionar que no hay ninguna pista sobre el tratamiento de postproducción y la coloración utilizada. Como resultado, lo más probable es que te decepcionen los resultados.
Entonces, ¿qué te parece que te concentres en lo que realmente amas de la imagen e intentas usar esos elementos en tu propio trabajo? Por ejemplo, me encantaron esas tomas coloridas de Bruno Dayan, Nick Knight y Nadav Kander, pero no intenté copiar sus imágenes directamente, así que tomé los elementos de colores locos que no tenían sentido y los incorporé a mi propio trabajo. .


Este proceso inspirador fue un punto de inflexión fundamental para mí y para mi trabajo. Ya no tuve que encender algo 'correctamente'. Si quisiera bañar un retrato en amarillos y azules, podría hacerlo. Si quisiera lavar un comedor en rosa neón, podría hacerlo. La inspiración que tomé de los demás fue la patada que necesitaba para volver a ser verdaderamente creativo y de aquí las cosas se multiplicaron como mi apetito veraz para crear continuamente algo nuevo.

PASO 5. ENTENDIMIENTO Y ELABORACIÓN
Este es, en última instancia, el paso final en nuestro viaje creativo. Ahora sabemos lo que queremos disparar, también sabemos lo que amamos, así que ahora todo lo que tenemos que hacer es ser buenos disparando lo que sabemos y amamos. Simple verdad?
Esto es, de lejos, la parte más difícil, por supuesto. Ahora eres un creativo de pleno derecho y, por lo tanto, ahora la carga de ser verdaderamente creativo recae sobre tus hombros. ¿Pero cómo te vuelves verdaderamente creativo ? ¿Cómo creas lo que no se ha creado antes? ¿Qué es lo que realmente te define como artista y realmente posees una visión y estilo únicos?
Por supuesto, muchos de los que no son creativos te dirán que ya se ha hecho antes, que nada es realmente único y que todos están simplemente copiándose unos a otros. Esta es ciertamente una escuela de pensamiento, pero honestamente creo que tiene mucho más que ganar si crees que puede crear algo único, que no.
Cuántas generaciones de artistas como Van Gogh, Picasso, Warhol (inserte cualquier artista que sea un nombre familiar) creyeron que todo se había hecho antes. Siempre es imposible, hasta que no lo sea.


Puede que no sepas nada sobre el arte, pero apuesto a que la mayoría de ustedes saben quiénes son los tres artistas que crearon el trabajo anterior. Ser creativo rara vez se trata de ser 'mejor', pero más a menudo se trata de tener la visión de crear algo único.
Entonces, ¿cómo llegamos aquí? Bueno, ante todo, debes empezar a creer que puedes crear algo único ... como, ¡AHORA! Cuanto antes creas que puedes hacer eso, más fácil será. A continuación, tendremos que ver lo que amamos y luego ver cómo podemos incorporarlo en nuestras propias imágenes ... sin copiarlas estrictamente.

Mire algunas fotos que realmente les gusten y piense en qué elementos individuales son los que lo hacen quererlas tanto. Desde aquí podemos comenzar a tomar esos elementos y usarlos en nuestras propias tomas.
Aquí es donde empezamos a crear de verdad, no copiando, sino aprendiendo a entender lo que amamos de otro arte e incorporándolo en nuestro propio y con nuestra propia voz y visión.
Aprender a comprender lo que amamos y por qué es una de las cosas más difíciles que puede hacer un artista, pero para avanzar y crear algo nuevo tenemos que dominarlo.

DONDE SER AUTODIDACTA SE QUEDA CORTO
Desafortunadamente, tener la capacidad de leer una imagen es difícil y esto es a menudo un obstáculo para muchos artistas autodidactas. Hasta ahora, muchos de ellos simplemente habrán copiado el trabajo de otros, por lo que comprender los elementos que aman es realmente complicado. Cuando digo copiar, quiero decir que han visto videos de YouTube, han visto los modificadores utilizados y los ángulos de iluminación y luego han copiado eso literalmente en su propio trabajo.

Para ser claros, no hay nada malo con este estilo de aprendizaje. Pero te llevará lejos.
Me enseñaron qué hizo la luz, cómo reaccionó y por qué, mucho antes de encender un estroboscopio. Esta no es una mejor manera de aprender, pero me dio la capacidad de leer y entender la luz, algo que veo a muchos fotógrafos autodidactas más nuevos les falta.

La semana pasada compartí algunas imágenes de otro trabajo de fotógrafos en mi página de Facebook y le pedí a la comunidad que explicara la iluminación que se usó. La iluminación en sí era bastante simple, pero aún así, vimos toda una serie de respuestas variadas. Aquí hay algunos de ellos a continuación. También he borrado cualquier nombre, ya que simplemente no hay necesidad de incluirlos.
Si no participaste en esto en mi página, entonces te recomiendo que pruebes y analices la luz en las imágenes de abajo, antes de continuar.
¿Cómo crees que se iluminaron las imágenes de abajo?

Todas las imágenes de arriba son propiedad de Chris Nicholls.

¿CÓMO PODEMOS MEJORAR LA COMPRENSIÓN DE LA LUZ?
Entonces, ¿cómo podemos mejorar? Como dije, esto no está diseñado como una burla de los fotógrafos autodidactas, sino todo lo contrario. Como mencioné en la parte superior, es muy raro encontrar un fotógrafo que no sea autodidacta en la actualidad, por lo que este ejercicio está dirigido directamente a la gran mayoría de los fotógrafos.
Mi objetivo y objetivo es formular un criterio para que todos lo usemos, de modo que podamos entender mejor las cosas que amamos en otras imágenes extrayendo cómo se elaboró cada imagen.
Afortunadamente, la luz está limitada y controlada por las muy comprensibles leyes de la física. Viaja en la misma línea recta y a la misma velocidad que siempre ha hecho. Reacciona y responde exactamente de la misma manera que siempre lo ha hecho y esto lo hace muy predecible y comprensible.
Mi objetivo es delinear claramente estas características para que podamos entenderlas mejor cuando las veamos en otras imágenes. Elementos que afectan la luz en nuestras imágenes como:
  • Densidad de sombras (cuán oscura es la sombra)
  • Resaltar tamaño (esto será relativo al objeto en el que está)
  • Transición del borde de la sombra (cómo una sombra transita al centro de la ciudad o resalta)
  • Brillo de resaltado (cuán brillante es el resalte relevante para el objeto en el que está)
  • Ángulo de sombra (donde está exactamente la luz en relación con el sujeto)
  • Distancia desde el sujeto (a qué distancia está la luz del sujeto)
  • Altura en relación con el sujeto (cuán alta es la luz en relación con el sujeto)
Con estos y probablemente más elementos en mente, creo que cualquier iluminación es comprensible y, por lo tanto, está abierta a que podamos implementar una apariencia similar en nuestro propio trabajo y estilo.
 

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